Próximas proyecciones en el CineClub Imaginario

2011
enero
viernes 7
LA CLASE (ENTRE LES MURS) (Laurent Cantet)Francia, 2008
viernes 28
21 GRAMOS (Alejandro González Iñárritu)
EUA, 2003


Casa de la Cultura de Valencina (Sevilla) España, 20:30 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

20071210

MATCH POINT (Woody Allen) RU, 2005

Dirección y guión: Woody Allen
País: Reino Unido.
Año: 2005.
Duración:
123 min.
Género: Drama.
Interpretación: Jonathan Rhys Meyers (Chris Wilton), Matthew Goode (Tom Hewett), Emily Mortimer (Chloe Hewett Wilton), Scarlett Johansson (Nola Rice), Brian Cox (Alec Hewett), Penelope Wilton (Eleanor Hewett), James Nesbitt (Detective Banner), Alexander Armstrong (Sr. Townsend), John Fortune (John), Ewen Bremner (Inspector Dowd).

Producción: Letty Aronson, Gareth Wiley y Lucy Darwin.
Fotografía: Remi Adefarasin.
Montaje: Alisa Lepselter.
Diseño de producción: Jim Clay.
Vestuario: Jill Taylor.
Estreno en España: 4 Noviembre 2005.

Sinopsis

Chris Wilton (Jonathan Rhys-Meyers) es un tenista profesional irlandés retirado, que busca trabajo (y lo encuentra) como profesor de tenis para personas de la alta sociedad londinense. Este trabajo le lleva a conocer a Tom Hewett (Matthew Godde), un joven miembro de la clase alta, que al conocer su afición por la ópera lo invita al palco familiar, en donde entrará en contacto con la élite londinense. La hermana de Tom, Chloe (Emily Mortimer), que relevó a la inicialmente prevista (Kate Winslet), se enamora de Chris, lo introduce en la empresa familiar y acabará casándose con él. El ascenso social de Chris le lleva a alcanzar casi todo aquello que puede desear, aunque se siente atraído por la novia de su cuñado, Nola (Scarlett Johansson), con la que mantendrá una relación.

Comentario

Se trata de una de las películas más sólidas del director neoyorquino Woody Allen, y probablemente la mejor de su última época. Cabe destacar que Allen no filmó esta película en su Nueva York natal, sino que rodó en Inglaterra. Su anterior película filmada en Europa, Love and Death, data de 1975.

Con una evidente influencia de Un lugar en el sol de George Stevens, Allen reflexiona la identificación fraterna, el deseo y el amor, el sentimiento de culpa, el azar y el ascenso social, mostrando su amor por los temas de Dostoievski, con alusiones explícitas a Crimen y Castigo.

El azar como motor de la existencia, el papel que debe de jugar la ética cuando ya no existe Dios, como Nietzsche defendió en su filosofía. Ya no hay pagador, las buenas acciones no van seguidas de recompensa ni las malas de castigo. Un crimen puede salir impune si el azar juega en su favor, del mismo modo que el protagonista de la película no tendrá que dar cuenta de sus actos.

Woody Allen da una nueva vuelta de tuerca a la reflexión filosófica que acompaña a todo su cine, en una película que es excelente en el más clásico sentido de la palabra. Una película donde los hombres ya no responden ante los dioses de sus actos, sino que se limitan a esperar a que la suerte les sea favorable.

Pinchando aquí puedes encontrar más a propósito de la película.

20071126

Programación diciembre 2007

Sábado, 1 de diciembre
LA MIRADA DE ULISES (Theo Angelopoulos) Grecia, 1995

Viernes, 14 de diciembre
MATCH POINT (Woody Allen) Reino Unido, 2005

LA MIRADA DE ULISES (Theo Angelopoulos) Grecia, 1995

Dirección: Theo Angelopoulos. Intérpretes: Harvey Keitel (A), Maïa Morgenstern (Las mujeres de Ulises), Erland Josephson (Conservador de la cinemateca), Yorgos Michalakopoulos (Nikos, el amigo periodista), Thanassis Vengos (El taxista), Dora Volanaki (la señora mayor). País: Francia-Italia-Grecia. Año: 1995. Argumento: Libremente inspirado en La Odisea, de Homero. Guión: Tonino Guerra, Theo Angelopoulos, Petros Markaris y Giorgio Silvagni. Música: Eleni Karaindrou. B.S.O.: ECM New Series. Fotografía: Yorgos Arvanitis. Dirección artística: Yorgos Patsas y Miodrag Mile Nicolic. Montaje: Yannis Tsitsopoulos. Estreno en Madrid: 31-VIII-96 (Princesa, Renoir). Distribuidora cine: Cine Company. Distribuidora vídeo: Columbia TriStar / Cine Company. Duración: 176 minutos. Género: Road-movie dramática. Premios principales: Gran Premio del Jurado y Premio Fipresci de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes de 1995. Nasti d’Argento de la crítica italiana al mejor director extranjero. Premio Sant Jordi 1996 a la mejor película extranjera. Nominación al Premio Goya 1996 a la mejor película europea. Público apropiado: Adultos.

Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes 1995. Obtuvo también el Premio Fipresci de la Crítica Internacional y es, con justicia, una película valorada por la crítica, cinéfilos y amantes del arte en general, pero de difícil asimilación para un público mayoritario, tan abotargado hoy por ciertos productos norteamericanos de consumo.

Estructurada en lo básico como La Odisea, cuenta la vuelta de A. (Harvey Keitel), cineasta exiliado en EE.UU., a su ciudad natal de Grecia, para asistir a la proyección de una de sus películas políticamente más conflictivas; pero su principal interés está en encontrar la primera película de los hermanos Manakis, documental e historia de los últimos 50 años de los Balcanes. En su búsqueda, en su odisea, su mirada recogerá la vida —actual y el recuerdo— de diversas ciudades, de Grecia, Albania, Macedonia, Bulgaria, la frontera entre Serbia y Rumania: el Danubio, el Drina... hasta llegar a Sarajevo, donde alcanza su deseo, y encuentra en sí mismo tal vez, cerrando la mirada, un mundo ya perdido, su autobiografía y la de muchos otros... Ante tanta muerte y destrucción, odio entre razas, parece perderse la capacidad de ver, y se quedan los ojos de A. —del hombre— como ciegos, confundidos: «Nuestro siglo comienza y acaba en Sarajevo», dice Angelopoulos, y cita a T.S. Eliot como conclusión: «Cuando el principio y el final se confunden, la historia no nos ha enseñado nada». Tal vez no sea cierto.

Así, La mirada de Ulises es un lento y largo viaje, ensimismado, en el que la mirada interior parece ponderar, cada vez más abrumada, el porqué de tanta ruina. En este viaje de A. hay lugar para la amistad, nunca perdida, y para el amor nunca alcanzado: Una mujer distinta (siempre interpretada por la actriz Maïa Morgenstern) aparece fugazmente junto a A. en todas las ciudades por las que pasa. Paisajes desolados, ciudades desiertas, escombros, fuegos, lejano sonar de bombas, lento fluir de ríos... como si no desearan nunca llegar. Perfiles y sombras, contrastes trágicos, tanto, que parece estar viéndose todo en blanco y negro. Apenas hay palabras. Todos los lenguajes y técnicas narrativas están presentes en esta magna realización.

Angelopoulos —autor desde 1965 de una docena de obras— ha llevado a cabo una obra perdurable, no condicionada a este tiempo de guerra, aunque de él tome su vívida experiencia. Memorables secuencias, largamente sostenidas, quedarán sin duda como perfectas muestras de narrativa cinematográfica. La destrucción humana, que el espectador ve junto al sobrio protagonista, no es tanto una desesperanzada definición del hombre, sino comprensible tristeza tras la muerte de esta amplia patria, que habrá de ser restaurada, sobre todo expulsando de ella el odio. Más adelante, cuando la mirada de Angelopoulos se ilumine con la fe, habrá de componer un canto de esperanza.

20071124

Acerca de PARADISE NOW

Hayas podido ver la película o no, si deseas volver a ver alguna secuencia o la película entera, puedes hacerlo. eso sí en versión doblada. pinchando aquí

20071118

PARADISE NOW (Hany Abu-Assad) Palestina, 2005

Nacionalidad: Palestina, 2005
Género: Drama
Duración: 90 m.
Dirección: Hany Abu-Assad
Intérpretes:
Kais Nashef (Said)
Ali Suliman (Khaled)
Lubna Azabal (Suha)
Amer Hlehel (Jamal)
Hiam Abbass (Madre de Said)
Guión: Hany Abu-Assad
Bero Beyer
Pierre Hodgson
Fotografía: Antoine Héberlé
Música: Jina Sumedi


Hany Abu-Assad recupera sus raíces palestinas y se traslada a la Cisjordania de la segunda intifada para contarnos “Paradise now”, la historia de dos jóvenes palestinos amigos desde pequeños que deciden actuar ante la agobiante ocupación de su ciudad (Nablus) de la única manera que comprenden como posible, por lo que recubren su cuerpo de explosivos y se lanzan al ataque secundados por una organización de artificieros caseros, ideólogos que no se inmolan y leyendas de mártires. Para ello, y para recuperar el realismo perdido en los documentales alejados de la raíz del problema, el director rueda el film en 35 milímetros y en la zona de Cisjordania, lo que le supuso un verdadero calvario (cada día tenían que parar de filmar al estar en zona de fuego cruzado y seis técnicos alemanes abandonaron el rodaje, entre otras dificultades). Pero esta circunstancia también dio como resultado una imagen lejos del movimiento, la rapidez, o la mala calidad justificable para ciertos géneros. Abu-Assad ha compuesto una verdadera historia con principio y fin, con personajes, con localizaciones reales, tanto interiores como exteriores e indagando en la vida de dos suicidas, en su día a día, en sus motivaciones o en la falta de éstas. El resultado final resulta estimulante para el espectador y le hace pensar en la otra cara de la moneda, en la ambigüedad que suponen los términos de víctima y opresor.

Más críticas:

En esta película el paraíso es una declaración política ambigua justo por estar tramada en un ejemplo de cine excelente, difícil y comprometido que consigue su propósito.

Lo impresionante de Paradise now es que no es un panfleto político pese a narrar las últimas 72 horas de dos amigos que llevan toda la vida preparándose en secreto para morir por su ley y su patria. A veces hay demasiado autoanálisis psicológico, y la película tal vez tenga uno de sus puntos flojos en la historia de amor de último momento.

La película traspasa y supera la política para hablar de la humanidad en presente, directamente, provocando muchas dudas profundas en un espectador que si no se emociona será porque se resiste, solventando las pequeñas fallas del guión con una propuesta valiente y una dirección impresionante de principio a fin.

Estamos ante un film situado lejos de la grandilocuencia, que cuida tanto la historia como la estética y que no intenta buscar justificaciones a los hechos pero sí causas de los mismos.

20071106

PINTAR O HACER EL AMOR (Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu) Francia, 2005


Dirección y guión: Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu.
País:
Francia.
Año: 2005.
Duración: 98 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Sabine Azéma (Madeleine), Daniel Auteuil (William), Amira Casar (Eva), Sergi López (Adán), Philippe Katerine (Mathieu), Hélène de Saint-Père (Julie), Sabine Haudepin (Suzanne), Roger Miremont (Roger), Jacques Nolot (Michel), Marie-Pierre Chaix (Annick), Florence Loiret-Caille (Élise), Thiago Telès (Joao).
Producción: Philippe Martin y Geraldine Michelot.
Música: Philippe Katerine.
Fotografía:
Christophe Beaucarne.
Montaje: Annette Dutertre.
Dirección artística: Brigitte Brassart.
Vestuario: Laurence Struz.
Estreno en Francia: 24 Agosto 2005.
Estreno en España: 7 Julio 2006.


Sinopsis

William y Madeleine viven en una ciudad al pie de las montañas. Hace mucho que se casaron, siguen siéndose fieles, están enamorados y llevan una vida tranquila. Él acaba de prejubilarse y su única hija se va a estudiar a Italia. Les sobra tiempo.

Durante un paseo por las colinas cercanas, Madeleine coloca el caballete en un prado para pintar una puesta de sol. Allí conoce a Adán, el alcalde del pueblo, un hombre culto. Es ciego. Hay una casa en un extremo del prado. Está en venta, y Adán se la enseña. Es un auténtico flechazo, William y Madeleine la compran inmediatamente.

Durante las semanas siguientes a la compra, la pareja vive un periodo de mucha felicidad.

Se ven a menudo con Adán y su joven compañera Eva que viven a unos cientos de metros más allá. Cuando arde la casa de sus nuevos amigos, William y Madeleine les abren la suya...


Para más información pincha AQUÍ

20071023

LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS (Isabel Coixet) España, 2005

Dirección y guión: Isabel Coixet.
País:
España.
Año: 2005.
Duración: 122 min.
Género: Drama.
Interpretación: Sarah Polley (Hanna), Tim Robbins (Josef), Javier Cámara (Simon), Sverre Anker Ousdal (Dimitri), Eddie Marsan (Víctor), Steven Mackintosch (Dr. Sulitzer), Eddie Marsan (Victor), Julie Christie (Inge), Daniel Mays (Martin), Dean Lennox Kelly (Liam), Danny Cunningham (Scott).
Producción: Esther García.
Producción ejecutiva: Agustín Almodóvar y Jaume Roures.
Fotografía: Jean Claude Larrieu.
Montaje: Irene Blecua.
Dirección artística: Pierre-François Limbosch.
Vestuario: Tatiana Hernández.
Estreno en España: 21 Octubre 2005.


En aquella estupenda película de Ricardo Franco titulada ‘La Buena Estrella’, Maribél Verdú decía: ‘Las cosas que no se dicen son como si no fueran’. Hay palabras que nuca deben ser pronunciadas, hay secretos que siempre deben estar guardados. Pero a veces, cuando las palabras son dichas y los secretos revelados, se encuentra el alivio, la comprensión y la libertad. De esto podría decirse que va la última película de Isabel Coixet, una absoluta obra maestra, que prácticamente deja a uno sin palabras, aunque eso suene a chiste.

Rodando de nuevo en inglés, Coixet ha cogido a un par de actores inmensos y nos cuenta la historia de una mujer que llega a una plataforma petrolífera para cuidar a un hombre que ha sufrido un accidente de trabajo. Entre ambos, no sin dificultad, surgirá una relación especial que les llevará a conocerse mucho más allá de lo que ellos, y el espectador, piensan. Los dos personajes están interpretados por la ya habitual Sarah Polley, absolutamente encantadora y magnífica en el papel de una mujer silenciosa, misteriosa y cautivadora, con un gran dolor a sus espaldas. Y Tim Robbins, realmente soberbio, interpreta al accidentado, un hombre sincero, que encuentra en su enfermera una nueva razón para vivir. Él ciego, ella sorda, y las palabras que les acompañan, darán lugar a una de las películas más maduramente emotivas que el cine español recuerde.

Porque Coixet se ha lucido como nunca con un guión que podría haber caído en la sensiblería más bochornosa, si no fuera por su enorme capacidad para mostrar y narrar uno hechos de forma totalmente sincera y sin argucias ni manipulaciones. La película que empieza con un montón de actos por parte de la protagonista que no entendemos, va cobrando forma según avanza y terminando con un encaje total de todas las piezas, perfectamente engranadas como un mecanismo de relojería. Todo nos es mostrado a su debido tiempo, sin prisas, ofreciéndonos momentos de una fuerte emotividad, hasta que al final ya no hay secretos ni palabras no dichas. Todo cobra sentido, y es el espectador el que se queda callado, pensativo, emocionado…

Por el camino vemos a unos personajes perdidos, no sólo los principales, seres que por un razón u otra quieren estar apartados de todo, y no quieren ser molestados bajo ningún concepto. El dolor es demasiado grande como para arriesgarse. Afortunadamente las palabras cobran vida para sacar todo el dolor y sufrimiento que se lleva dentro, para intentar curar las heridas, las visibles y las que no se ven. Todo esto, con una enorme fuerza poética, nos es mostrado en una película grande en sí misma, única, valiente, y que ya es, sin dudarlo, una de las mejores del año. Lo dicho, una obra maestra.

Pinchando aquí puedes obtener más información sobre la película.

20071001

Programación Septiembre-Diciembre 2007

Viernes, 14 de septiembre
BABEL (Alejandro González Iñárritu) México, 2006

Viernes, 28 de septiembre
LA VIDA DE LOS OTROS (Florian Henckel) Alemania, 2006

Viernes, 5 de octubre
OFFSIDE (Jafar Panahi) Irán, 2005

Sábado, 27 de octubre
LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS (Isabel Coixet) España, 2005

Viernes, 9 de noviembre
PINTAR O HACER EL AMOR (Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu) Francia, 2005

Viernes, 23 de noviembre
PARADISE NOW (Hany Abu-Assad) Palestina, 2005

Sábado, 1 de diciembre
LA MIRADA DE ULISES (Theo Angelopoulos) Grecia, 1995

Viernes, 14 de diciembre
MATCH POINT (Woody Allen) Reino Unido, 2005

OFFSIDE (Jafar Panahi) Irán, 2005

Título Original: "Offside".(Fuera de juego)

Género: Comedia.
Dirección: Jafar Panahi Guión: Jafar Panahi. Shadmehr Rastin. .
Reparto: Shayesteh Irani Golnaz Farmani Nazanin Sediqzadeh Fotografía: Rami Agami Música: Yuval Barazani Producción: Jafar Panahi Duración: 93 minutos. País y Año: Irán - 2006.
Estreno España: 26 de enero de 2007.Estreno EE.UU.: 23 de marzo de 2007

¿Quién es aquel chico silencioso sentado al fondo del autobús lleno de forofos camino de un partido de fútbol? El chico de aspecto tímido es en realidad una chica disfrazada. Pero no es ella sola. Hay muchas mujeres a las que les gusta el fútbol en Irán. Las detienen a las puertas del estadio antes de que empiece el partido y las encierran en un lugar cercano con otras mujeres disfrazadas de hombre. Al final del partido, todas serán entregadas a la brigada antivicio. Pero antes las torturan oyendo los rugidos, los gritos, los aplausos de un partido que no ven. Peor aún, deben escuchar a un soldado que no sabe nada de fútbol contarles lo que está pasando. Pero estas chicas no están dispuestas a rendirse y seguirán inventando nuevos métodos para colarse en los partidos.

Irán, derechos de la mujer y fútbol: Todos esos elementos confluyen en la película de Panahi, una historia sencilla de unas chicas que se disfrazan de muchacho para lograr entrar en el estadio donde se disputa el partido Irán-Bahrein, decisivo para la clasificación para el Mundial.

En lugar de infiltrarse, acaban acorraladas entre las vallas de seguridad y custodiadas por soldados iraníes. En lugar de fútbol en directo desde el graderío y con 100.000 aficionados, deben conformarse con la locución improvisada de un soldado, desde cuyo ángulo apenas se ve un saque de esquina.

Exponente de la represión y censura en Irán

Limitaciones, insultos, miedo a las consecuencias de la travesura de cinco muchachas que aman tanto el fútbol como a su país, exponente de la represión impuesta por el régimen de Teherán a su población, de la que la censura al cine es sólo una parte.

"Hasta cinco días antes del rodaje, las autoridades no sabían que estaba yo detrás del guión, porque lo registré con otro nombre. Cuando se enteraron, ya no pudieron frenarlo", explicó Panahi, quien a estas alturas no sabe aún si su película llegará a estrenarse en su país.

"Hacer la película era como un sueño, como lo era que Irán esté en el Mundial de Alemania, y espero que mis compatriotas puedan ver la película. Pero no dejaré que le corten ni una escena", dijo.

Sus actores son "muchachos y muchachas que no saben nada de cine", explicó, rodaron mayoritariamente en directo, en paralelo a lo que ocurría en el estadio y sin saber qué harían con su film si Irán no se clasificaba, y llegaron a Berlín con el compromiso de seguir trabajando por la supervivencia del cine iraní.

"Volveré a mi país y seguiré trabajando ahí", afirmó Panahi, quien pese al contenido de su film y la denuncia de la opresión de la mujer, no hace un retrato agrio de Irán, sino que trata el tema en clave de comedia, sin tiranos "visibles".

"Los iraníes somos una gran familia. El servicio militar es obligatorio y los soldados no pueden saltarse las reglas, pero son parte de esa familia", dijo respecto a la complicidad que se establece entre éstos y las muchachas que tienen "acorraladas".

20070925

LA VIDA DE LOS OTROS (Florian Henckel) Alemania, 2006

TITULO ORIGINAL Das Leben der Anderen
Año
2006 DURACIÓN 137´ PAÍS Alemania
DIRECTOR
Florian Henckel-Donnersmarck GUIÓN Florian Henckel-Donnersmarck MÚSICA Gabriel Yared, Stéphane Moucha FOTOGRAFÍA Hagen Bogdanski REPARTO Ulrich Mühe, Martina Gedeck, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Charly Hübner PRODUCTORA Wiedemann & Berg Filmproduktion / Bayerischer Rundfunk / Arte / Creado Film WEB OFICIAL http://www.movie.de/filme/dlda/

Un hombre con mirada al vacío entra en un ascensor de un anónimo rascacielos del Este de Berlín en 1984. Justo antes del cierre de las puertas, rebota dentro un balón de fútbol, seguido de su joven dueño. Se cierran las puertas. El ascensor comienza a moverse. El chico levanta la vista hacia el hombre y pregunta: “¿Es cierto que trabaja para la Stasi?” El hombre responde bruscamente: “¿Quién lo dice?”, a lo que el chico contesta: “Mi padre”. Tranquilo, el hombre prosigue: “Y, ¿cómo se llama…”; a mitad de la frase. “¿Quién?”, quiere saber el chico. Algunos segundos de silencio. “¿Tu balón?” pregunta el hombre con incredulidad en su voz, como si no pudiera creer lo suficiente esas palabras que acaban de salir de su boca. “¡Está loco!” dice el chico, “los balones no tienen nombre!”

Esta pequeña escena, de no más de dos minutos, es una primera indicación de lo que veremos aparecer en un muy respetado Capitán de la Stasi, leal defensor y profesor de espionaje estatal en Alemania del Este, varios años antes de la caída del Muro de Berlín. La vida de los otros, el debut del escritor y director Florian Henckel von Donnersmarck, cuenta la historia ficticia de este hombre, Hauptmann Gerd Wiesler (Ulrich Mühe). Una película que renuncia a todos los elementos pirotécnicos de los thrillers llamativos y los muy excitables misterios para algo que se mete bajo la piel. Es el tipo de drama de carácter inteligente que pasa a través del cerebro antes de alcanzar el corazón.

Wiesler es destinado –al menos parcialmente por su propia acción- a mantener, literalmente, un ojo y una oreja en el dramaturgo Georg Dreyman (Sebastian Koch, el oficial nazi en Black Book) y en su novia, la actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck, Deliciosa Martha). Sus bohemias existencias parecen, de algún modo, encajar con la línea del partido y Wiesler no puede descubrir ninguna mancha, hasta que un incidente que involucra a Jerska, el dramaturgo amigo de Dreyman (Volkmar Kleinert), cambiará tanto a Dreyman como al hombre que le sigue cada movimiento.

La belleza de la película de von Donnersmarck reside en que confía en el público para captar los pequeños cambios y motivaciones en los personajes, incluso si, aparentemente, son inexplicables. La primera vez que Wiesler se da cuenta de que ocurre algo sospechoso en la casa de Dreyman, actúa de un impulso y lo omite de su informe diario. Esta pequeña acción irá en aumento a través del resto de las vidas de todos los personajes. Es poco probable que hubiera permitido tal error si hubiese sabido las consecuencias de su decisión pero, una vez tomada, ha decidido el destino de todos los personajes para los años venideros.

La película es larga, sin embargo, el ritmo nunca decae; el guión está lleno de sutiles efectos espejo y sus temas emergen sólo gradualmente. Uno de los temas más importantes es la metáfora al actuar: Sieland y Dreyman se encangan de simular, mientras que Wiesler es el fin contrario del espectro, intenta averiguar los verdaderos sentimientos que se esconden tras las máscaras de la gente de cara al público. En un Estado-policía, cada cual es consciente de que en público es necesario un cierto nivel de actuación, aunque sólo sea para evitar llamar la atención a alguien que pudiera pedir más detalles. La película, por otra parte, es un trabajo que puede fácilmente llevar una investigación de sus personajes y móviles. De hecho, es exactamente esta densidad de contar historias llevada con tal leve elegancia lo que hace que The Lives of Others sea convincente.

20070912

Programación Septiembre de 2007

Viernes, 14 de septiembre de 2007
BABEL (Alejandro González Iñárritu) México, 2006

Viernes, 28 de septiembre de 2007
LA VIDA DE LOS OTROS (Florian Henckel) Alemania, 2006

BABEL (Alejandro González Iñárritu) México, 2006


Título Original: Babel, 2006, México
Dirección: Alejandro González Iñárritu
Intérpretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Rinko Kikuchi, Adriana Barraza, Clifton Collins Jr., Jamie McBride, Michael Pena, Koji Yakusho, Said Tarchani, Boubker Ait El caid, Elle Fanning, Nathan Gamble, Mohamed Akhzam, Peter Wight, Abdelkader Bara
Duración: 2 horas 22 minutos

Argumento de Babel

En la película, un incidente trágico en el que se ve involucrada una pareja estadounidense en Marruecos desencadena una serie de acontecimientos que afectan a cuatro familias en diferentes países. Unidos por las circunstancias, separados por continentes, cultura e idioma, cada personaje descubre que la familia es lo único que ofrece consuelo.

En las lejanas arenas del desierto de Marruecos suena un disparo que desencadena una serie de acontecimientos fortuitos que servirá para conectar a una pareja estadounidense en su desesperada lucha por sobrevivir, con los dos chicos marroquíes responsables involuntarios del accidente, una niñera que cruza la frontera de México ilegalmente con dos niños estadounidenses y una adolescente japonesa sorda y rebelde sobre cuyo padre pesa una orden de busca y captura. A pesar de las enormes distancias y de las culturas tan antagónicas que los separan, estos cuatro grupos de personas comparten un destino de aislamiento y dolor. Sólo bastarán unos pocos días para que se encuentren totalmente perdidos, perdidos en el desierto, perdidos para el mundo, perdidos para si mismos, mientras avanzan hacia el borde del abismo de la confusión y el miedo al tiempo que se hunden en las profundidades de las relaciones y del amor.

Crítica

“Intensa”, “apasionante”, “profunda”, son los adjetivos que esta película ha merecido entre la crítica, pese a que su autor tiene sólo dos largos en solitario en su haber.

Pero qué dos largos: “Amores perros” (2000) , que estuvo en Cannes fuera de competición, y “21 Gramos” (2003) , que elevó al Olimpo al director y al escritor Guillermo Arriaga, premiado ya en Cannes en 2005 por el guión de “ The Three Burials of Melquiades Estrada ” (en España, "Los tres entierros de Melquiades Estrada") .

Protagonizada por Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Adriana Barraza, Koji Yakusho, Rinko Kikuchi, Said Tarchani y Boubker ait el Caid, “Babel” cierra la trilogía con suma coherencia y sin que se perciba merma alguna en las cualidades que encumbraron a sus autores, incluido el director de fotografía mexicano Rodrigo Prieto y el músico argentino Gustavo Santaolalla.

Al igual que las dos precedentes, esta torre tiene como cimientos el poder del azar, la fatalidad y la inexorabilidad del destino, y como andamiaje tres historias muy diversas cuya interconexión era en principio insospechable.

Y también al igual que en las dos anteriores, la viga de sustento de la trama es un hecho accidental en un vehículo.

Solo que esta vez, Iñárritu y Arriaga amplían sus ambiciones y, si el desencadenante se da en Marruecos, sus consecuencias repercuten tan lejos como en México y Japón.

Entre medias, “Babel” da cabida en sus múltiples plantas a temas tan diversos como la emigración mexicana en EU, la paranoia antiterrorista y el aislamiento originado por una minusvalía.

Quizá el algo forzado implante de la rama nipona en el desarrollo de la historia es el único y mínimo “pero” que podría ponerse a esta cinta de ritmo apabullante.

Quizás porque el cemento con el que se alza esta torre, que nos mantiene pegados a la butaca, tiene algún contacto con la bíblica historia de Babel.

Pero la confusión de lenguas no es “el problema” para González Iñárritu.

“El problema son los prejuicios que nos separan a los seres humanos”, subrayó a la prensa el director.

“Quería que mi película, precisamente, tratara de lo que nos une”, porque de un extremo a otro del mundo, e incluso en una misma familia, como seres humanos, nuestro concepto de la felicidad es muy distinto, pero lo que nos hace sentir mal es lo mismo para todos: la imposibilidad de sentir y expresar el amor”, explicó.

“Eso es lo que une a los personajes”, entre quienes “no quisiera que hubiese malos y buenos”, agregó González Iñárritu, quien sin embargo, no eludió criticar que entre México y EU, “lo que pasa en la frontera es terrible”.

Ese asunto se trata en la cinta con los personajes encarnados por los mexicanos García Bernal y Barraza, en papeles distintos a los que asumían en “Amores perros” .

“Cuando hicimos esta película tuvimos interdependencia, todos compartimos un sentimiento de fragilidad”, explicó García Bernal, en lo que coincidió Blanchett, quien opina que la cinta “tiene que ver con las relaciones de padres e hijos”, lo cual le ayudó a recurrir a “experiencias propias” para preparar su papel.

20070613

¡FELIZ VERANO!

El Cine Club Imaginario desea a todas las personas que han compartido con nosotr@s tan buenos y productivos ratos de cine y charla (también de cava y pastelitos) UN FELIZ, REPARADOR, LLENO DE EXPERIENCIAS Y FRUCTÍFERO VERANO.
Estamos segur@s de que nos reencontraremos en septiembre con nuevas propuestas y las mismas ganas de disfrutar y aprender.

Mientras tanto, el Blog sigue abierto a recibir sugerencias y ofrecerlas.

Por ejemplo: Os recomendamos la programación de cine de la Universidad de Sevilla que, a partir del lunes 18 de junio, va a ofrecer a diario un montón de interesantes proyecciones, algunas de ellas inéditas.

La programación es la siguiente:

Ciclo de Cine de Verano en la Universidad de Sevilla

Del 18 al 29 de junio, patio de la Facultad de Geografía e Historia, 22,30 h.

entrada gratuita con invitación.
(las invitaciones se recogerán a partir de las 21,30 horas)

- 18 junio: “Grbavica”, ” Jasmila Žbanic., (Bosnia-Herzegovina, 2006)
- 19 junio: “Luces al atardecer”, Aki Kaurismäki (Finlandia, 2006)
- 20 junio: “Conspiración de mujeres”, Meter Greenaway (Reino Unido, 1988)
- 21 junio: “Bailando en la oscuridad”, Lars von Traer (Dinamarca-Suecia, 2000)
- 22 junio: “Mujeres en el parque”, Felipe Vega (España, 2006)
- 25 junio: “Tiempos de amor, juventud y libertad”, Hsiao-hsien Hou (Corea del Norte, 2005)
- 26 junio: “Time”, ” Kim Ki-duk (Corea del Sur, 2006)
- 27 junio: “La rodilla de Clara”, Eric Rohmer (Francia, 1970)
- 28 junio: “El círculo”, Jafar Parrahi (Irán-Italia, 2000)
- 29 junio: “Venus”, Roger Michell (Reino Unido2006)

20070607

Cruzando el puente: Los sonidos de Estambul (Fatih Akin) Alemania, 2005

Titulo Original ................... Crossing the bridge: The sound of Istanbul
Año ................................. 2005
Duración .......................... 92 minutos
País ................................ Alemania
Género ............................ Documental
Fotografía ........................ Hervé Dieu
Música ............................. Alexander Hacke
Guión .............................. Fatih Akin
Director ................. Fatih Akin

Intérpretes
Alexander Hacke, Baba Zula, Orient Expressions, Duman Replikas, Erkin Koray, Ceza , Istanbul Style Breakers, Mecan Dede, Selim Sesler, Brenna MacCrimmon, Siyasiyabend

Fecha de estreno: 16-06-2006

La ciudad turca de Estambul hace de encrucijada entre Oriente y Occidente. El puente Gálata, sobre las aguas del Bósforo, une físicamente Europa y Asia. Además, el Bósforo comunica el mar Negro con el mar de Mármara. El francés Gyllius hace cinco siglos ya describió este enclave como “el estrecho que supera a todos los estrechos, porque con una llave abre o cierra dos mundos, dos mares”. Esta populosa ciudad, que tiene todo el aroma de oriente, repleta de mezquitas, hamanes y bazares, atrae un fluyo continúo de nuevos residentes (se desconoce el número de habitantes, aunque se estima ronda los doce millones) y tiene todas sus miradas puestas en Europa.

Una buena forma de conocer una ciudad, un país, es descubriendo su música. Así lo entendió Alexander Hacke, miembro durante dos décadas del grupo alemán de vanguardia “Einstürzende Neubauten”, después de trabajar en la banda sonora de la película “Contra la pared” del director alemán de origen turco Fatih Akin y formar parte del grupo neopsicodélico Baba Zula. Decidido a recoger la diversidad musical de la ciudad Hacke marchó con un equipo móvil de grabación y acompañado de la cámara de Akin.

La base de operaciones la establecieron en el Gran Hotel de Londres (Büyük Londra Oteli), en el barrio de Beyoglu, entre calles decadentes que recuerdan a la vieja Habana. No es casualidad, no sólo comparten el aspecto físico, ambas ciudades comparten su pasión por la música, es su forma de vida. Las cámaras recorren y plasman diferentes locales donde hasta quince músicos y grupos de todos los estilos dan su visión de ciudad, de sus anhelos y su manera de entender la música. El resultado final es fascinante y cautivador.

Vamos con sus protagonistas. El grupo neopsicodélico Baba Zula rodó su música por el propio río, no se siente una u otra orilla, sigue los pasos de grupos de principios de los 70 con una simbiosis de rock psicodélico con toques de jazz y sonidos orientales. Diferentes visiones del rock, recordando a sus orígenes en estética y forma, por los grupos Duman, Replikas y Erkin Koray. Orient Expressions y Mercan Dede representan el puente entre la tradición y los sonidos más vanguardista, en el primero el saz y la percusión oriental se mezclan con el estilo DJ, mientras que el derviche digital Dede, al ney y la electrónica, fusiona los modernos ritmos para discoteca con la música tradicional sufí. El virtuoso clarinetista gitano Selim Sesler procede ciudad de Traquia, en la parte europea de Turquía y la música es su propia vida.

La cantante canadiense Brenna MacCrimmon junto con Sesler recupera viejas grabaciones ya en el olvido. La voz profunda y sensual Orhan Gencebay, popular estrella de la música turca, quien también acepta ponerse delante de las cámaras por primera vez junto a su instrumento, el saz. Müzeyyen Senar, de 86 años, sigue siendo la gran dama de la canción reivindicada por Sezen Akzu, que está considerada como la voz de Estambul y pone el broche de oro esta película documental y clarificadora. Pero el momento más emotivo, en lo visual y en lo musical, llega con estremecedora versión del “Ahmedo” en la voz de la cantante de origen kurdo Aynur.

Paco Valiente

20070517

Programación

Sábado, 19 de mayo de 2007
El viento nos llevará (Abbas Kiarostami) Irán, 1999

Sábado, 9 de junio de 2007
(Clausura de la temporada)
Cruzando el puente : Los sonidos de Estambul (Fatih Akin) Alemania, 2005

El viento no llevará (Abbas Kiarostami) Irán, 1999

Bad ma ra khahad bord

Irán, 1999, 118 minutos
Dirección: Abbas Kiarostami
Producción: Abbas Kiarostami, Marin Karmitz
Guión: Abbas Kiarostami
Fotografía: Mahmoud Kalari
Música: Peyman Yazdanian
Protagonistas: Behzad Dourani, Noghre Asadi, Roushan Karam Elmi.

Despierta nuestra admiración el cine iraní por su peculiar manera de explorar sus propias limitaciones, extrayendo de ellas un cine totalmente renovado, fresco y original. No es una postura a priori, sino confirmada cada vez que asistimos a una nueva proyección. En el panorama del cine iraní, la figura más brillante, junto con Majid Majidi (El color del paraíso, Baran) es la de Abbas Kiarostami (A través de los olivos, Y la vida continua). Se trata de una hermosa película, la más compleja y personal, que se inscribe en la línea de El sabor de la cereza (film que se evoca repetidamente) y en la que el director utiliza una vez más el cine para tratar sobre la vida, la muerte, la moral, la humanidad en suma.

Sinopsis: Un grupo de la televisión acude a un pueblo distante 700 kilómetros de Teherán a filmar un acontecimiento popular: una ceremonia fúnebre, misión que mantendrán encubierta. El film trata sobre la espera, ese tiempo muerto que transcurre mientras la muerte de una anciana que "tiene 100 o 150 años" –según su nieto– demora en llegar. Las primeras imágenes anticipan todo el film: el camino pedregoso tan caro al director, sinuoso entre colinas, el que todos hacemos y deshacemos, y que no lleva a ninguna parte, o a todas.

La narración se centra en la figura de Behzad, el director del equipo, y en su vínculo con la gente del lugar: con cada uno comparte una experiencia, y lo que sucede está narrado a través de su punto de vista. Su grupo de trabajo, de tres colaboradores, nunca está en escena, se mantiene fuera de campo, o directamente desaparece cuando lo necesita. La gente de la ciudad nunca hace explícito el motivo de su visita al pueblo, se habla vagamente de un tesoro, y los residentes le adjudican al director el honroso título de ingeniero.

Durante la espera, Behzad recibe, desde la capital, llamadas apremiantes de su productora. La señal sonora no llega a su teléfono celular, por lo cual corre por todo el pueblo y debe conducir hasta una colina cercana, donde está el cementerio, para poder sostener una comunicación. Los días se suceden rutinariamente y sin novedad, las llamadas se vuelven más apremiantes, y una y otra vez Behzad debe repetir su viaje al cementerio. La cámara filma el recorrido de su camioneta por otro camino circular, permaneciendo fija en el mismo lugar, con la misma luz, captando los mismos movimientos, una y otra vez, hasta volverse un ritual. Pero la cuarta vez que sucede no resulta igual a la primera: para entonces, la impaciencia del director y su equipo ha ido en aumento, y se evidencia el extremo de incomprensión de la gente de la ciudad, que le exige la seguridad de que algo sucederá próximamente. La exasperación del director estalla y su enojo se vuelca contra los más débiles: el muchachito que lo asiste en la aldea y una tortuga, obvio símbolo, que se cruza en su camino.

El título proviene de la popular poeta feminista Farough Farrukhzad: es el último verso de un poema citado en la escena más enigmática e inolvidable del film. Behzad acude a la casa de la novia del excavador que ha conocido en el cementerio, y con la excusa de conseguir leche, conversa con su novia, en un mágico momento de seducción. La escena tiene lugar en una caverna apenas iluminada por una lámpara a ras del piso, y sólo vemos las manos y la falda de la joven, quien conserva todo su pudor frente al extraño. En un país donde una mujer soltera no debe estar sola con un hombre, estos planos motivaron la prohibición del film, por su alto contenido erótico.

Si bien esta es una película de hombres, Kiarostami encara por primera vez la figura de la mujer –asombrosamente, una de ellas atiende el café del lugar– dejando el tema abierto a posteriores tratammientos.

Aunque por momentos resulte morosa, los motivos de la película la hacen absolutamente inquietante: las repeticiones cíclicas, la situación ambigua, las llamadas crípticas que recibe desde la ciudad que también hablan de muerte, sus charlas con el enterrador, a quien nunca vemos, la conversación en la cueva a oscuras con su novia, quien tampoco se muestra, el poema que propone ser llevados por el viento, llenan el vacío creado por la espera.

Kiarostami intensifica en este film su crítica social: durante toda la historia subyace una mirada irónica hacia el hombre de ciudad, en absurdo contraste con la gente del pueblo, que tiene otros tiempos y sabe observar la naturaleza, vive el presente y respeta los ritmos naturales. El chiste del celular acentúa esa ironía: a la cuarta vez que sube la colina, la situación ha pasado a ser ridícula. El director, que está deseando hacer una filmación, no tiene los elementos ni la gente para cubrir la noticia cuando algo altera la paz del pueblo.

La importancia del fuera de campo adquiere mayor significación cuando nos enteramos de que a veces es el mismo Kiarostami quien está en lugar del protagonista: él es quien interroga al chico, al maestro, al joven que le confirma la importancia ritual del esa ceremonia fúnebre que están esperando. De esta manera, la identificación del director real con su personaje en la ficción es absoluta, y la ironía se transforma en autocrítica ácida hacia el vínculo entre los cineastas y la gente común, como hemos visto ya en A través de los olivos y La vida continúa.

Algunos objetarán que el más grande realizador iraní nos ofrece más de lo mismo. Kiarostami ya ha llegado a la categoría de clásico: como tal, volverá una y otra vez sobre sus temas y motivos, se cita a sí mismo recurrentemente, pero –y ésta es la clave– en una vuelta más de espiral. En esta obra maestra radicaliza aspectos elaborados en otros films: hay muy poca información, mayor ambigüedad, y un uso permanente del fuera de campo. La película puede verse en clave de Borges, quien decía escribir siempre el mismo poema.

En su conocida articulación entre ficción y documental, Kiarostami hace un film escamoteando casi la mitad de la realidad. Evita cuidadosamente el contraplano, y así el espectador debe completar los diálogos en su imaginación: nunca vemos a los colaboradores con los que habla Behzad, no vemos lo que él ve, nunca accedemos a la anciana enferma, ni vemos el rostro del excavador del cementerio con quien dialoga el ingeniero, ni el de su novia. Kiarostami hace un arte de la ocultación, y el espectador pasa a tener un rol activo en la obra. Si la primera toma es un camino zigzagueante, como los de El sabor de la cereza o La vida continúa, la sinuosidad se repite en el ascenso al cementerio, en el viaje en moto de un anciano que da lecciones de vida, en el increíble recorrido que hace una manzanita al caer en tierra, y por fin, en las curvas del arroyo de la toma final. La maravillosa arquitectura laberíntica del pueblo lleva a los habitantes a moverse entre casas superpuestas, arracimadas, pasando de una escalera a una terraza, y de ésta a una calle, en un itinerario que se hermana con los otros recorridos. Kiarostami fue también pintor, y como los clásicos, repite el rasgo en zigzag, como Cézanne reitera la diagonal.

Antes que sobrevenga la muerte, deberán cumplirse los infinitos gestos que la preceden, inexorablemente. Mientras tanto, ¿qué es lo que muere? Acaso un modo de esperar la muerte, una forma de vida que ya no será la misma después de esta invasión de operadores y teléfonos celulares.

20070502

Programación mayo - junio 2007

Viernes, 4 de mayo de 2007
(La especulación urbanística a debate)
La tierra prometida (Sunshine state) (Jonh Sayles) EUA, 2002

Sábado, 19 de mayo de 2007
El viento nos llevará (Abbas Kiarostami) Irán, 1999

Sábado, 9 de junio de 2007
(Clausura de la temporada)
Cruzando el puente : Los sonidos de Estambul (Fatih Akin) Alemania, 2005


Todas las proyecciones son en la Casa de la Cultura de Valencina a las 20,30h.

La entrada es libre

La tierra prometida (John Sayles) EUA, 2002

TITULO ORIGINAL: Sunshine State

Director: John Sayles. Intérpretes: Edie Falco (Marly Temple), Jane Alexander (Delia Temple), Angela Basset (Desiree Perry), Timothy Hutton (Jack Meadows), James McDaniel (Reggie Perry), Bill Cobbs (Dr. Elton Lloyd), Miguel Ferrer (Lester) y Mary Steenburgen (Francine Pinkney). País: Estados Unidos. Año: 2002. Producción: Maggie Renzi para Sony Classics. Guión: John Sayles. Música: Mason Daring. Fotografía: Patrick Cady. Montaje: John Sayles. Estreno en Madrid: 25-IV-03. Distribuidora cine: Columbia. Distribuidora de vídeo: Columbia. Duración: 141 minutos. Género: Drama. Público adecuado: Adultos.

Si hubiera que elegir al cineasta estadounidense independiente más completo, polifacético e interesante, seguramente ganaría John Sayles, director, guionista, montador y a veces compositor de películas de la talla de Passion Fish, El secreto de la Isla de las Focas, Lone Star, Hombres armados, Casa de los babys o Limbo.

En ellas, Sayles disecciona comunidades variadas cuya identidad cultural y social es puesta en peligro por diversas amenazas. En La tierra prometida le toca el turno a Florida y, en concreto, a un pueblo costero que se disputan varias empresas inmobiliarias. En torno a sus especulaciones se cruzan los dramas íntimos de una docena de personajes que tienen otra oportunidad de reencauzar sus maltrechas existencias.

Sayles enlaza todas las subtramas de forma magistral gracias a un guión sensacional, unas interpretaciones excelentes —destaca Edie Falco— y una planificación sugestiva, incluso cuando juega la carta onírica. Atrae especialmente la profunda humanidad de la mirada de Sayles, consciente de las miserias humanas, pero también abierta a sus grandezas y a su trascendencia sobrenatural. Sin sermones, con una frescura muy oxigenante —también en sus incorrecciones políticas—, Sayles da un varapalo a la tentación materialista y le lanza un órdago invencible con cuatro reyes: la espiritualidad, la cohesión familiar, la amistad leal y el trabajo bien hecho.

SINOPSIS

En Florida, la Isla Plantación es un lugar donde los promotores planean cambiar un modesta comunidad de veraneo por un enorme complejo turístico para las vacaciones de verano de los americanos del norte. La gente local, que vive allí desde hace muchos años, están divididos entre los que quieren tomar el dinero en efectivo que les ofrecen y los que quieren seguir permaneciendo en sus tierras. Así asistimos a la vida de varias personas, como Desiree, una mujer de visita en su pueblo natal para reconciliarse con su madre, y que entabla amistad con la dueña de un motel.

"Es quizás la lección cívica más profunda jamás metida en un film de 141 minutos (...) Crea un mosaico cinematográfico de vidas americanas sin precendentes en su amplitud, balance, sutilidad e imparcialidad." (Stephen Holden: The New York Times)

20070416

Eres muy guapo (Isabelle Mergault) Francia, 2005

Título Original: "Je vous trouve très beau".
Género: Drama.
Dirección: Isabelle Mergault.
Guión: Isabelle Mergault.
Reparto: Michel Blanc, Medeea Marinescu, Wladimir Yordanoff, Benoit Turjman, Eva Darlan, Elisabeth Commelin, Valérie Bonneton, Arthur Jugnot, Julien Cafaro, Valentin Traversi, Raphaël Defour.

Fotografía: Laurent Fleutot.
Música: Bob Lenox, Alain Wisniak.
Producción: Jean-Louis Livi.
Duración: 97 minutos.
País y Año: Francia - 2005.
Estreno en España: 21 de abril de 2006.


Sinopsis

Aymé acaba de perder a su esposa en un accidente en la granja. No le desborda la pena, sino el trabajo: solo no podrá salir adelante. Deberá encontrar lo más pronto posible otra esposa, sin embargo, en el pueblo la cosa no está nada fácil.

Decide por tanto acudir a una agencia matrimonial. La directora de la agencia entiende que su caso es más práctico que afectivo, y decide enviarle a Rumania, donde un gran número de chicas están dispuestas a todo por dejar la miseria en la que viven. El encuentro con Elena cambiará su vida…

20070401

Sábado 14 de abril


Salvador (Puig Antich)

año de producción: 2006
duración: 138 min
formato: HD 2:35 - Color


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Segundo largometraje de ficción dirigido por Manuel Huerga basado en el libro 'Cuenta Atrás' de Francesc Escribano, actual director de Televisió de Catalunya, sobre la vida del joven anarquista catalán Salvador Puig Antich, quien fue ejecutado a garrote vil el 2 de marzo de 1974 en la cárcel Modelo de Barcelona. 'Salvador' es una producción de Jaume Roures para Mediapro con guión de Lluís Arcarazo, música de Lluís Llach y está protagonizada por Daniel Brühl, Leonor Watling, Tristán Ulloa, Leonardo Sbaraglia e Ingrid Rubio.

- Premio del Público @ Festival Cinespaña de Toulouse 2006
- Premio ONDAS 2006 al evento cinematográfico del año
- Premios a la Mejor Película, Director, Actor, Música, Montaje, Fotografía y Dirección Artística @ V Premis Barcelona de Cinema 2006
- Premio al Mejor Guión Adaptado @ Círculo de Escritores Cinematográficos
- Premio Goya al Mejor Guión Adaptado @ Premios Goya 2007
- Premio del Público @ Festival de Würzburg 2007
- Premio Ciutat de Barcelona 2006 en la categoría de Audiovisuales para Manuel Huerga
- Premio Mejor Película Española @ Premios Tirant 2007, Valencia
- Premio del Público @ Festival du Cinéma Espagnol de Nantes 2007


ENLACES:

*www.salvadorfilm.com (website oficial de la película)
*www.salvadorpuigantich.com (sobre Puig Antich)
*www.bfdfilm.com (website oficial de la película en Benelux Film Distributors)
*www.netageadv.it/salvador (website oficial de la película en Italia)
*www.paremoslapeliculasalvador.org (web en contra del film)

MP3:

*Entrevista a Manuel Huerga en 'El Món a RAC1'
*Entrevista a Manuel Huerga en 'Minoria Absoluta'
*Entrevista a Daniel Brühl y Manuel Huerga en 'Versió RAC1'
*Entrevista a las hermanas Puig Antich para la radio holandesa

20070322

Programación abril - mayo - junio 2007

Sábado, 14 de abril de 2007
(76º Aniversario de la 2ª República)
Salvador (Manuel Huerga) España, 2006

Viernes, 27 de abril de 2007
Eres muy guapo (Isabelle Mergault) Francia, 2005

Viernes, 4 de mayo de 2007
(La especulación urbanística a debate)
La tierra prometida (Sunshine state) (Jonh Sayles) EUA, 2002

Sábado, 19 de mayo de 2007
El viento nos llevará (Abbas Kiarostami) Irán, 1999

Sábado, 9 de junio de 2007
(Clausura de la temporada)
Cruzando el puente : Los sonidos de Estambul (Fatih Akin) Alemania, 2005


Todas las proyecciones son en la Casa de la Cultura de Valencina a las 20,30h.

La entrada es libre

Programación marzo 2007

Sábado, 24 de marzo de 2007
Padre e hijo (Alexander Sokurov) Rusia, 2003

Padre e hijo (Alexander Sokurov) Rusia, 2003


Título Original: Otets i syn, 2003, Rusia, Alemania, Italia, HolandaDirección: Aleksandr Sokurov Intérpretes: Andrei Shchetinin, Aleksei Nejmyshev, Aleksandr Razbash, Fyodor Lavrov, Marina Zasukhina, João Gonçalves Duración: 1 hora 22 minutos


Argumento
“Una pequeña familia (un padre y un hijo) vive en el último piso de una casa antigua. El padre se ha retirado del ejército y ha dejado su querido regimiento del aire. No ha acabado la carrera militar por deseo propio, sino forzado por las circunstancias. Ahora, cuando se acerca a la madurez y tras haber participado en acciones militares, lo han transferido a la reserva. Cuando estudiaba en la escuela de vuelo experimentó el primer y único amor de su vida. La chica se convirtió en su mujer y tuvo a su hijo. Los dos tenían veinte años entonces. La mujer murió cuando era joven. Este amor sigue siendo su única felicidad secreta.
El hijo ha crecido y probablemente será un militar como su padre. Al padre, los rasgos del hijo siempre le recuerdan a su mujer. No diferencia a su hijo de su amor, que aún perdura: es lo que lo une a su querida mujer. El padre no se imagina su vida sin su hijo. El hijo quiere a su padre con devoción y profundamente, un sentimiento filial intensificado por una responsabilidad moral instintiva que la vida pone a prueba. El amor que se profesan es de una virtud y una escala mitológicas. No puede darse en la vida real. Es la encarnación de un cuento de hadas.”